美観地区をお散歩

「Ⅰ」ということは、他にも何体かあるのでしょうか？

【鑑賞の小ネタ】
・とにかく細い作品
・「ヴェニスの女」シリーズの1点
・顔の表情に注目

2階から1階へ階段を下りてすぐのところに展示されています。 階段はまっすぐなので、『ヴェニスの女Ⅰ』を眺めながら下りることができます。結果として眺める位置がどんどん変わることになるので、なかなか興味深いです。

2017年に国立新美術館開館10周年ジャコメッティ展が開かれました。

その時、「ヴェネツィア（ヴェニス）の女」9体が一堂に展示されました。中心に立っている彫刻が『ヴェニスの女Ⅰ』だと思います。この時「Ⅰ」はセンターに展示されていたんですね！

1956年、ジャコメッティはフランス代表として ヴェネツィア・ビエンナーレ（現代美術の国際美術展覧会） に参加しています。その時に制作したのが10点の女性立像から成る「ヴェネツィアの女」シリーズだったそうです。10点も制作されていたようですね。　1から10の番号は、制作順ではなく、ジャコメッティ自身が決めたものだそうです。そしてこのシリーズのモデルとなった女性は、妻のアネットと言われています。

大原美術館には、紙に鉛筆で描かれた『立てる裸像』（1955年）という作品も所蔵されています。次の作品は、大原美術館所蔵作品ではないのですが、参考までに紹介します。

筆者は実物を見たことがあるのですが、この作品より、もう少し鉛筆の線が目立つデッサンだったと思います。共通するのは、手足の長いモデル体型のかなり細い裸婦が描かれているということです。制作年は1955年で、『ヴェニスの女Ⅰ』の制昨年の前年です。彫刻制作にあたり、色々とイメージを膨らませていたのでしょうか？

ジャコメッティの作品は、とにかく細い作品が多いです。

痩せ細っていますが、ちゃんと犬と分かりますね。むしろより犬らしく見えるような気がします。ちょっと不思議です。

ところで、ジャコメッティの作品はなぜこんなに細いのでしょうか？　ジャコメッティ的には、見たままを表現しようとしていて、余計なものをそぎ落としたらこうなったということのようです。余計なものとは何でしょう？これは難解です。
実存主義哲学者のジャン・ポール・サルトルが、早い時期に論文を書いています。筆者にとっては難しい論文なのですが、きっとキーワードは「空虚」なんだと思います。その他、様々な学者や研究者がジャコメッティについて言及していて、「空虚」と似た表現として、「空間」「虚無」「距離」「禅の空」というものがありました。まだまだあるのかもしれませんが、とにかく、一言でいえば「空」絡みの世界観なんだと思います。

結局、よく分かってない筆者なのですが、「余計なもの」とか「空虚」とは何かを意識しながらまた鑑賞してみたいと思います。いつか何か分かるかもしれません(^-^)

【おまけ】
『ヴェニスの女Ⅰ』の顔に注目してみてください。特に口元。横顔に表情の違いが見られるかもしれませんョ。

優しそうな顔の王様だなと思いました。

【鑑賞の小ネタ】
・額縁と絵が一体化
・どんな王様なのか？
・似たような顔の肖像画あり
・ルオー晩年の作品

作品名が『呪われた王』となっています。呪われたというからには、もっと辛そうな表情に描かれるのかなと思ったのですが、この王様の表情は、どこか優しそうで穏やかに見えます。頭の上に王冠が見えるので、王様だということが分かりますね。

ルオーの作品によく見られる手法ですが、絵画と額縁が一体化しています。額縁にも色彩が施されていて、とても立体感があります。

次の作品は、イエス・キリストを正面から描いた『聖顔』です。

『呪われた王』とキリストの『聖顔』、雰囲気が似ていると思いませんか？　ルオーは宗教画を数多く残していて、「聖顔」というテーマでは、60点以上も制作したそうです。

イエス・キリストは、人間の持つ罪を背負って十字架にかけられたわけですが、キリストの雰囲気に似た『呪われた王』も、人間（民）の何かを背負って呪われたのでしょうか？しかもそれは王として納得済みのことだったとしたら、あの穏やかな表情も頷けますね。そして、王様は王冠、キリストはいばらの冠をかぶっていることにも注目です。

次の作品は、カトリック教会における聖人ジャンヌ・ダルクがモチーフです。

ルオーの宗教画の1つですが、これらの作品には注目すべき点があります。次のルオーの師匠ギュスターヴ・モローの作品を見てみてください。

構図がとてもよく似ていると思います。そして何よりも、モローのこの絵の具の厚塗りは驚きです。というのも、モローの作品と言えば、もっと細密なんです。モローはパリ国立高等美術学校の教授なので、その画風は、滑らかに仕上げられたアカデミック絵画となります。このように次世代的な荒いタッチで厚塗りするようなことを基本的にはあまりしないと考えられます。『パルクと死の天使』の制昨年は1890年頃で、ルオーが学校に入学したのが1891年です。ルオーがまだアカデミック絵画を勉強していた頃、既に、モローは厚塗りを試みていたということですね。

レンブラント（レンブラント・ファン・レイン、17世紀オランダ絵画の巨匠）の再来と言われたルオーの画風が、厚塗りに変わって行く要因の1つに、モローのこの厚塗りの影響もあったのではないかと言われています。亡き師匠の後押しもあって、個性的な画風を追求できたのかもしれませんね。実際モローは、生徒の個性を否定しない、立派な先生だったようですから。

モローとルオーの師弟関係は有名で、ルオーはギュスターヴ・モロー美術館の初代館長に就任しています。大原美術館にはモローの作品『雅歌』（過去記事、大原美術館：『雅歌』モロー）が所蔵されています。展示状況にもよると思いますが、併せて鑑賞すると良いかもしれませんね。

あまり道化師に見えないような…。

【鑑賞の小ネタ】
・道化師をモチーフとした作品多数あり
・顔を斜めに横切る線は何か？
・ステンドグラス職人の経験あり
・初期作品の画風の違いに注目

目がギロッと印象的です。道化師というとピエロですが、あまりピエロっぽくないように思うのですが、どうでしょう？顔を斜めに横切る線はしわでしょうか。傷かもしれませんね。または、ショー用のメイクかも。

同じ頃に制作された『赤鼻の道化師』にも、顔に黒く太い線が描かれています。

同じ道化師を描いたのでしようか？視線もよく似ていますね。　何れにしても、顔の黒い線は何か意味がありそうです。

黒い線と言えば、モチーフのパーツが、黒くて太い輪郭線で描かれているのが分かります。西洋絵画ではあまり輪郭線を描かないので、ここまで太い輪郭線はかなり独特です。　ルオーは10代の頃、ステンドグラス職人や修復作家として修業しています。ステンドグラスにも黒い枠（輪郭）がありますよね。ルオーの作品にはステンドグラスの影響が見られると言われますが、なるほどなと思いました。

ルオーは道化師をテーマとして多くの作品を残しています。

道化師の家族だと思います。　赤い服がお父さん、青い服がお母さん、黄色い服が子どもといったところでしょうか。静かな雰囲気ですね。
同じ1932年に、次の作品もあります。

『小さな家族』と同じ道化師の家族だと思います。青い服のお母さんが真ん中でうなだれています。ケガをしたのでしょうか？子どもが心配そうにお母さんを見ています。

ルオーの描く道化師は、道化師（ピエロ）なのにあまり楽しそうに見えません。むしろ、生きることの厳しさを感じるような仕上がりになっていると思います。

ルオーは、場末のサーカスや旅回りのサーカスに特に心を寄せたといいます。そして、「われわれは皆、道化師なのです」と語ったそうです。深いですね。考えさせられます。

ところで、ルオーが本格的に画家を志したのは1890年頃からで、1891年にエコール・デ・ボザール（ パリ国立高等美術学校 ）に入学しています。ここで、マティスやモロー（教師で画家）に出会っています。

次の作品はルオーの初期の作品です。

エコール・デ・ボザール 所蔵の作品ですが、全く画風が違いますね。太い輪郭線はなく、アカデミックなザ・西洋画という感じです。ピカソが分かりやすいかもしれませんが、芸術家の作風が時代とともに変化することはよくあることです。ピカソも最初からあの感じの絵を描いていたわけではありません。ルオーも、画家の内面の変化と呼応して、作風がどんどん変化して行くパターンの作家の1人だと思います。

パッと見、初期の作品の方が、普通に上手な絵という感じだと思うのですが、どうでしょう？　ところが『道化師』のような作品と比べた時、訴えるものがあるかないかと言われれば、ちょっと疑問です。仮に、『道化師』を初期の頃のような作風で描いたと想像してみてください。普通に上手な肖像画になるとは思いますが、やはり、今の画風の方が訴えるものがあるような気がします。

ちなみに、とてもインパクトの強い作品『道化師』は、過去記事（大原美術館：ふさがれた窓）でも紹介しましたが、盗難の経験があります。『道化師』の鋭い目は、色んなものを見ているのでしょうね。