美観地区をお散歩

小さなサイズの絵ですが、細かくしっかり描き込まれています。

【鑑賞の小ネタ】
・とても小さなサイズの作品
・ヴォルスはアンフォルメルの画家
・グワッシュで描かれた作品
・細かく様々なものが描かれている

ヴォルスの本名は、アルフレッド・オットー・ヴォルフガング・シュルツェ＝バットマンと言います。アンフォルメル（ 第二次世界大戦後 、1940年代半ばから1950年代にかけてフランスを中心としたヨーロッパ各地に現れた、激しい抽象絵画を中心とした美術の動向をあらわした言葉） の中心的画家の1人と見なされています。アンフォルメルのその他の画家に、ジャン・フォートリエやジャン・デュビュッフェがいます。大原美術館にはそれらの画家の作品も所蔵されているようで、アンフォルメルの画家の作品がかなり充実しているのが分かります。

『作品または絵画』は、縦20.5㎝×横31.5㎝とかなり小さめな作品です。横幅が30㎝ものさしより少し長いということで、イメージしやすいのではないでしょうか。その小さなスペースの中に、線や色が細かく描き込まれています。じっくり観てみると、木や建物、幾何学模様、文字のようなもの等、色々見えてきます。

この作品は、紙の上にグワッシュで描かれています。グワッシュとは、不透明水彩絵の具の1つです。不透明水彩？と思うかもしれませんが、中学校の美術の授業を思い出してみてください。ポスターカラーを使ったことがありませんか？下の色が乾いていれば重ね塗りができるあの絵の具です。下の色が透けることなく完全に隠れたはずです。不透明水彩絵の具にも種類があるので、『作品または絵の具』のグワッシュがポスターカラーだと断言はしませんが、不透明水彩絵の具のイメージはわくのではないでしょうか。ちなみに、小学校の図画工作の時間で主に使っていた絵の具は、私たちが普通にイメージする水彩絵の具で、これは透明水彩絵の具になります。

不透明水彩絵の具（グワッシュ）ということで、水彩画特有のにじみやぼかしがどうなるのかなと思いましたが、『作品または絵画』 には、にじみやぼかしらしき表現がしっかり見られますよね。絵の具と混ぜる水の分量を多めにしたり、絵の具が乾く前に塗り重ねたりすることで、不透明水彩絵の具でもこれらの表現は出来るようですね。　

ところで、透明水彩では白色を使うことはめったにありません。白色を使うとどんどん画面が濁ってしまうからです。たとえ色を消したくなっても白色を使ってはいけません。その点、不透明水彩では、はみ出した部分を白色を使って消すことが出来ます。変な感じに濁ることはまずありません。そうしてみると、この不透明水彩絵の具（グワッシュ）、透明水彩絵の具ほど馴染みはないように思いますが、うまく使えばなかなか魅力的な絵の具なのかもしれませんね。

次の作品は、グワッシュとインクで仕上げられています。

インクの黒の線が効いてますね。黒の色味がはっきりしているためか、全体的に締まって見えて、バランスが良いように思います。

ヴォルスの作品は、抽象画ということからも、今一つ何を描いているか不明なものが多いと思うのですが、画面内の納まりはとても安定していると筆者は感じます。シンメトリーとは言いませんが、絶妙なバランスで描かれていると思うのです。ヴォルスは写真家（1937年のパリ万博では公式フォトグラファーに任命されています）でもあったので、納まりの良い構図にはこだわっていたかもしれませんね。

ヴォルスが美術家として評価されるようになるのは1945年くらいからのようです。本の挿絵も手掛けていました。

この挿絵『太陽』は、ドライポイントという版画技法で制作されています。このドライポイントの作品、大原美術館にも所蔵されているようです。その他にも、『木』『荒涼とした風景』『条痕』『草と螺旋』があるようですョ。

ヴォルスの抽象画は、目をつぶった時に見えるあのもやもやしたものを表現したとも言われています。細かくち密に表現された作品は、そう言われてみれば、それっぽいですね。作品名が、『無題』とか『作品』とか『絵画』等になっている場合、それこそ鑑賞者が自由に感じ取り解釈したら良いわけなのですが、作家がどんな思いで何を描いたのか、筆者的にはちょっと知りたくもなります。
貧困とアルコール中毒に苦しんだ揚げ句、 38歳の若さで食中毒で亡くなったヴォルスですが、その閉じた目には、いつも何が見えていたのでしょうね…。

白、茶、グレー、黒、筆者的にはとても落ち着く色合いです。

【鑑賞の小ネタ】
・「白の時代」の作品
・人の姿は小さく描かれ建物が中心
・母親はモデルで画家のヴァラドン
・アルコール依存症に悩まされた人生

一見、人が1人もいないような絵に見えるのですが、画面左側奥に何人か描かれています。街路樹の下に、棒のような黒い影で描かれていて、なんだか輪になって話し合っているように見えませんか？　日常の井戸端会議でしょうか？もしかしたら、何か重要なテーマの集会なのかもしてませんね。

『パリ郊外－サン・ドニ』は、ユトリロの「白の時代」と呼ばれる時期の作品です。この時期のユトリロは白色を多用していて、全体的に白っぽい仕上がりとなっています。パリの風景を対象としたものが多く、通りの建物がとても雰囲気良く描かれています。ユトリロが使用した白色の絵の具には、石灰や砂、卵の殻などが混ぜられていたといいます。 漆喰の質感を表現した ユトリロこだわりの白だったようです。「白の時代」の作品のには、派手な色があまり使われいなくて、また、人の姿も小さなシルエットぐらいで基本的にあまり描かれていません。

「白の時代」の全盛期は 1909年から1912年の間で、ユトリロの画家人生の絶頂期だったといえます。『パリ郊外－サン・ドニ』の制昨年は1910年なので、まさにこの時期の作品というわけですね。建物中心で色味もおとなしく、好みが分かれる画風かもしれませんが、筆者的にはこの時期のユトリロの作品が好きです。

次の作品も1910年です。この作品は全体的に白っぽく、遠くに人の影が有るような無いような。「白の時代」の特徴がよく表れている作品だと思います。

リトグラフ（石版画）ですが、『パリ郊外－サン・ドニ』 とほぼ同じ構図の作品がありました。こちらです。

制昨年が分からなかったのですが、多分、「白の時代」より後の作品だと思います。（※「白の時代」の作品をリメイク？して、リトグラフ等の作品にしていたようです。ユトリロ自身はもしかしたら不本意だったかもしれませんが。）「白の時代」が過ぎると、だんだん色味が出てきます。明るくなったように見えるのですが、ユトリロ自身の生活はそうでもなかったようです。

ユトリロの母親は、モデルで画家のシュザンヌ・ヴァラドンです。恋多き女性で、一時期ロートレックとも深い関係にありました。ユトリロはヴァラドンの私生児として育ちました。本当の父親は謎のままですが、7歳の時、スペイン人の画家で美術評論家のミゲル・ウトリリョに認知されています。家を空けがちなヴァラドンに代わり、ヴァラドンの母親がユトリロの世話をしたそうです。複雑な家庭環境からか、 ユトリロは10代の頃よりアルコール依存症で苦しみました。

ユトリロは、女性や人に対するコンプレックスがあったように思います。それが理由なのか分かりませんが、ユトリロの描く人物は、シルエットのみか後ろ姿が多い傾向にあると思います。たとえ正面を描いたにしても、顔の表情はよく分かりません。また、ユトリロの人物表現でもっとも特徴的なのは、女性の腰回りをとても大きく描くところです。女性に対するユトリロの思いを表現したものとして、これまでに様々な見解が持たれています。筆者としては、腰回りの大きさは女性の象徴でもあるので、やはり、マザーコンプレックスを具現化したものではないかと思っています。

ユトリロ晩年の作品がこちらです。色が多いですね。人物もかなり描かれています。

ヴァラドンは1938年に亡くなります。ユトリロの人生の1つの区切りであったはずなのですが、そうでもなかったようです。というのも、ユトリロは、母親ヴァラドンとその周辺の人間たちに、生活を管理、監視されていて、常に多作を要求されていたそうです。それは、母亡き後、妻も同じであったといいます。

最後に、ユトリロの絶筆作品です。

亡くなる2日前に描かれたそうです。人の姿は見えません。優しい絵だなと思いましたが、少し寂しい感じもしますね。